PROGRAMA EN PROCESOS CINEMATOGRÁFICOS
y su aplicación en una pieza contemporánea

Coordinador: Oliver Victoria

INICIO DEL PROGRAMA:  17 de Agosto al 9 de noviembre 2021
DURACIÓN: 12 semanas (72 horas).
HORARIO: Martes y Jueves de 6 a 9 pm

La División de Estudios Culturales de Centro ADM abre la convocatoria para participar en la primera generación del PROGRAMA EN PROCESOS CINEMATOGRÁFICOS y su aplicación en una pieza contemporánea.

El programa consta de diez módulos en los que iremos recorriendo los diferentes procesos que existen dentro de la creación cinematográfica, desde la gestación de una película hasta la crítica cinematográfica, orientándose en el análisis cultural y discursivo, así como en los distintos procesos para llevar a cabo una obra cinematográfica.

El objetivo final del programa es la creación de una pieza cinematográfica desde una visión de autor, es decir, develar nuestra propia voz, y buscando confrontarnos con un discurso permanente que vive dentro de nosotros. 

El diseño curricular del programa ha sido desarrollado por Oliver Victoria.

*Los días y horarios están sujetos a cambio.

MÓDULO 1 / JUGUETERÍA DEL PENSAMIENTO: EL CINE
Duración: 4 sesiones de 3 horas (Semana 1 y Semana 2)

-Reflexiones desde Griffith hasta el día de hoy.
-Espectro cinematográfico (géneros y formatos)
-Panorama histórico
-El Cine de hoy 

El relato se impuso como justificación para la existencia del cine, hay una historia en la que se privilegió la convención narrativa y otros aspectos que configuran lo cinemático quedaron en segundo plano o fuera de foco. Sin desdeñar las aportaciones que se han hecho desde ese primer plano, revisaremos algunas líneas de exploración que se enlazan con las audiovisuales, desde el cine de las primeras vanguardias hasta el cine expandido y las formas contemporáneas del audiovisual. 

Comenzaremos con reflexiones propias de los cineastas que han hecho la propia historia del cine, desde Griffith hasta Bazán revisaremos las distintas corrientes y reflexiones que han sido parte del pensar el cine. Intentaremos profundizar en la tarea de la crítica y aglomerar las abstracciones en la percepción cinematográfica. Así mismo recorreremos un panorama histórico enfocados en la materialidad de una película, el cual es fundamental para tener un panorama menos contado de la historia en el cine, escapando de la maquinaria comercial hollywoodense y la conquista del capital sobre el cine. Al final del primer módulo, en el cine de hoy, descubriremos las nuevas formas de hacer el cine, los nuevos autores, las nuevas voces y las nuevas obsesiones que existen dentro del arte cinematográfico. Nos concentraremos muy fijamente en el descubrimiento y la clasificación de todas las pequeñas líneas narrativas que definen un género cinematográfico; sus tonos, sus profundidades, sus personajes, sus colores.

PONENTES:

Julio Carlos

Julio Carlos, como lo conocen en el medio, estudió comunicación en la Universidad Iberoamericana e hizo estudios de cine en la Universidad de Valencia en España, trabajó durante más de cinco años como director en Lemon Films. Desde hace dos años trabaja como Director Cinematográfico en la productora Alma Mía, de la que es socio fundador. Ha dirigido, escrito y editado cortometrajes, videoclips, series de televisión y comerciales con los cuales ha recibido premios como Pantalla de Cristal en México y Corto-Circuito en Valencia, así como un León de Bronce en Cannes. Fue Chief Editor del largometraje documental “Yo si Bailo…” Producido por Carlos A. Erdmann y editor colaborador en el documental de Francisco Vargas “Nuestra Señora de Concreto”. De febrero de 2008 a junio de 2012 se desarrolló como Guionista del Programa del IMCINE y Canal 22 “Cine- Secuencias”. Ha impartido cursos y seminarios en la Universidad Iberoamericana, el FARO de Aragón y el Centro de Estudios en Ciencias de la Comunicación Campus Pedregal. En 2016 estrenó su primer largometraje documental The guy from Oklahoma, en el marco del Festival Internacional de Cine de Guanajuato. 

Iván Edeza

Es artista visual con práctica curatorial, experiencia en gestión y docencia. Ha participado en festivales, proyectos y exposiciones tanto individuales como colectivas en diferentes museos, galerías y espacios nacionales e internacionales como: The International Studio & Curatorial Program ISCP NY (E.U.A.), Antropoceno. 3a Bienal del Fin del Mundo (Argentina), MAC/VAL Musée d’ArtContemporain du Val-de-Marne (Francia) Casino Luxembourg, Forum d´art contemporain. (Luxemburgo), Kunsthalle Wien (Austria), Kunst Werke (Alemania), PS1 (E.U.A.), Matadero Madrid, Institut Valencià d´Art Modern IVAM, Hangar y el Museu d´Art de Sabadell (España), Stedelijk Museum voor Actuele Kunst (Belgica), Galería Metropolitana, Laboratorio de Arte Alameda, Museo Carrillo Gil, Museo Experimental “El Eco”, Ex Teresa Arte Actual, Centro de la Imagen y Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca (México) y ha participado en los festivales 5th ZEBRA Poetry Film Festival (Alemania),  Bienal Iberoamericana Inquieta Imagen V (Costa Rica), 7 AluCine Toronto Latin@ Media Festival (Canadá), Transmediale.04 International Media Art Festival (Alemania), 14th International Electronic Art Festival Videobrasil (Brasil), 25hrs (España), Cinematexas 6th Short Film Festival (E.U.A.), Interferences Festival d’Arts Multimedias Urbains CICV (Francia) y Transitio_MX (México).

Fue becario del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) en los programas: Intercambio de residencias artísticas México-Colombia en el área de medios audiovisuales (2001), Jóvenes creadores en el área de video (1998-1999), Apoyo a producción de proyectos y Coinversiones y formó parte del Sistema Nacional de Creadores (2006-2009). 

Tuvo oportunidad de participar como jurado y tutor en los proyectos: Evaluación de proyectos para el 26th International Symposium on Electronic Art (ISEA2020). Why Sentience?, Montreal, Canadá (2020); Tutor del Programa de Estímulo a la Creación y al Desarrollo Artístico, Estado de México, PECDA-EDOMEX (2019); Clínicas impartidas en el programa Clínicas para la Especialización en Arte Contemporáneo (CEACO), La Curtiduría, Centro de Artes. Oaxaca, Oaxaca, México (2019 y 2020); Tutor en el Programa SOMA, SOMA, Ciudad de México (2017-2019); Consejero académico del festival Transitio_MX. Festival Internacional de Artes Electrónicas y Video (2012-2017); Consejero académico del Espacio de Experimentación Sonora. MUAC, Museo Universitario de Arte Contemporáneo, UNAM (2009-2011); Consejero académico del MUCA Roma. Museo Universitario de Ciencias y Arte, UNAM (2007-2011); Tutor de Medios Audiovisuales en el programa de Residencias Artísticas para Creadores de Iberoamérica y Haití en México del FONCA (2009-2010).

Su experiencia en gestión y curaduría ha sido como curador del MUCA Roma y La Caja Negra en el MUCA-UNAM (2001-2003). Fue coordinador de proyectos artísticos en Casa Vecina (2005-2007). Fue director de Ex Teresa Arte Actual (INBA) de 2013 a mayo de 2017, bajo su gestión, fueron galardonados con el Primer Lugar, en la Categoría 1, del VII Premio Iberoamericano de Educación y Museos (Ibermuseos) y la beca de Iberarchivos-Programa ADAI, con el proyecto Estabilización, descripción y digitalización de documentos audiovisuales y fotográficos en formatos análogos del fondo Ex Teresa Arte Actual. En 2018 hace, en colaboración con Sol Henaro, la curaduría del proyecto Demián Flores. Itinerarios gráficos, para el Museo Nacional de la Estampa (INBA). Entre 2019 y 2020 presentó la curaduría Sinestesia olfativa para el Museo del Perfume en la Ciudad de México, proyecto beneficiado con el Programa EFIARTES, Apoyo a los Proyectos de Inversión en la Producción Artística, otorgado por el Instituto Nacional de Bellas Artes y la Secretaria de Hacienda y Crédito Público.

MÓDULO 2 / ¿POR QUÉ HACER CINE Y POR QUÉ YO?
Duración: 2 sesiones de 3 horas (Semana 3)

– Preguntas fundamentales del hacer cinematográfico
– Recursos de un proyecto
– La forma es más que nunca el contenido
– El tema no es la trama

A la pregunta ¿Por qué hacer cine? Y ¿por qué yo? Solamente se le puede contestar con un ejercicio de memoria, un ejercicio de psicología personal en el cual podremos encontrar una voz que está ahí y que siempre ha estado ahí, y que necesitamos escuchar. Esta pregunta que quizá parezca sencilla requiere de algún tiempo de autocontemplación y al mismo tiempo una exploración a los recursos que ya existen, pero también a nuestra cinefilia, ese gusto que hemos venido experimentando a través de los años, es decir, aquellas imágenes que han tenido algún impacto dentro de nosotros tendrán que salir algún momento y tener consecuencias inmediatas en nuestra forma de hacer cine. Aquellas poesías, aquellas canciones de aquellos ritmos, aquellos colores que nos han marcado nuestra vida ahora tomarán cierta preponderancia a la hora de hacer nuestras decisiones, porque al final, hacer cine es tomar decisiones. Evitar a toda costa tomar decisiones fortuitas y aleatorias, lo que más nos interesa es definir nuestro ser mediante formas específicas del cine, Y quizá en ciertas ocasiones descubriremos que nosotros no somos los indicados para abordar un tema o tal vez descubrimos algúna línea narrativa que nos ha pertenecido desde que somos niños y no nos hemos dado cuenta. Así lo que queremos decir estará ya inmerso en nuestra propia forma, y en la forma de decir lo que queremos decir develaremos ya el discurso. En la delicada cuestión del tema, que no es la trama, intentaremos distinguir la línea que divide un tema general a lo que pasa con nuestra historia, como dibujar ramas delineadas dentro de la forma de un árbol, el tema es el árbol pero lo que pasa dentro del árbol es nuestra historia, cada hormiga que camina en la rama y cada fruta encontrada por la hormiga, cada grillo que llega a atacar a la hormiga son cosas diferentes al árbol.

PONENTE:

Bruno Santamaria

Bruno Santamaría es egresado del Centro de Capacitación Cinematográfica. Margarita (2016), su debut como director, marcó su forma de trabajar en el cine a partir de la realidad. Recientemente estrenó la película Cosas que no hacemos (2020), premiada y reconocida en más de 40 países alrededor del mundo, entre ellos el James Blue Award para impulsar a nuevos cineastas y el gran premio del BAFICI. Actualmente desarrolla la película Seis meses en el edificio rosa con azul con apoyo de la beca Jóvenes creadores del FONCA. Ha trabajado con directores como Ai WeiWei, Zita Erffa, Paula Markovitch y Manuel Abramovich. Su trabajo como cinefotógrafo y director se ha mostrado en Sundance, Berlinale, IDFA, Camerimage, FICM, FICUNAM, entre otros. Ha trabajado en procesos de formación en Ambulante Más Allá, Ciclo Rosa de la Cinemateca de Bogotá, dirigió la Residencia Cuorum Morelia y en el CCC. Es cofundador de Ojo de vaca, un espacio para la creación, desarrollo y producción de cine documental en México.

MÓDULO 3. ACCIONES INMEDIATAS DE UN CINEASTA
Duración: 2 sesiones de 3 horas (Semana 4)

– El espacio como personaje
– El personaje singular
– Diálogos de una cámara sin palabras
– El diseño del tiempo 

Pero ¿Qué es lo que hace realmente un cineasta? O ¿Qué es aquello en lo que ocupa su tiempo un cineasta? ¿Cuáles son las acciones fundamentales que crean las imágenes que luego vemos en la pantalla grande? Y ¿Por qué hay cineastas que hacen cierto tipo de imágenes y otros cineastas que se dejan llevar por las corrientes comerciales haciendo las mismas imágenes? Y más importante aún ¿Cuál es el momento exacto de la creación de las imágenes? O ¿Cuándo nace una película? Un cineasta visto como la figura de un creador del mundo tiene que crear personajes y tiene que crear espacios donde viven esos personajes. A veces pensamos en un espacio sin personajes y a veces pensamos en personajes que necesitan habitar un espacio. Todas las cuestiones de la gestación activa de un cineasta, los diálogos, los gestos la forma psicológica de aquellos que nos llevan a un punto final, y luego el tiempo, tiempo que necesitamos para mostrar lo que deseamos. La manzana que cae sobre la cabeza de Newton puede durar un segundo o 60 minutos.

PONENTE:
Ivan Lowemberg

Sus primeros trabajos los realizó en Canal 11, desempeñándose como fotógrafo y guionista, pero principalmente director de proyectos documentales. En el 2008 obtuvo el Hubert Bals Fund del Festival Internacional de Cine de Rotterdam para su película La castración, misma que logró concluir en marzo del 2012, recorriendo más de 20 festivales internacionales. Ha recibido la beca Jóvenes Creadores del Fondo Nacional Para la Cultura y las Artes para el desarrollo del guion en dos ocasiones. Su último cortometraje, Encuentro, ganó en el Festival Internacional de Cine de Morelia 2019, estuvo nominado al Ariel 2020 y calificó para ser considerado en los premios Óscar 2021. Actualmente se encuentra en la postproducción de su segundo largometraje.

MÓDULO 4. PREPRODUCCIÓN DE LA PIEZA
Duración: 2 sesiones de 3 horas (Semana 5)

– Camera, lenses, light & sound
– Scouting
– Casting
– Shooting plan
– Breaking down

En este módulo en donde la preparación y la organización de nuestro equipo fílmico ocupa la mayor importancia, nos ocupamos en descifrar el futuro. Ese futuro que al mismo tiempo depende de muchas personas sí, pero también de mucha imaginación. Casi como un ejercicio místico en donde ponemos nuestras energías en pos de un futuro mejor, pre producir una película requiere de un conjunto de personas prácticamente agarradas de la mano mirando al cielo o más precisamente un escritorio. ¿Con qué vamos a hacer nuestras imágenes? ¿Cuánta luz vamos a ocupar? ¿Qué color de luz vamos a ocupar? ¿Cuáles son los micrófonos adecuados para capturar las ondas sonoras que será parte de nuestra banda sonora? ¿En dónde vamos a grabar? ¿Permisos para grabar? ¿Cuánto nos cuesta un permiso? ¿Cuántas opciones tenemos o cómo podemos conseguir un espacio gratis? Todos esos pequeños detalles que parecen banales y de no mucha importancia, al final del camino son fundamentales. Es en realidad una técnica que se desarrolla con la experiencia pero también con la paciencia y sabiduría de una cuestión empresarial. Es la planeación de un viaje que hacemos con nuestros amigos en donde queremos conocer la mayor cantidad de cosas y tenerlas en nuestros recuerdos, para después compartirlas.

PONENTE: 

Yulene Olaizola

Su ópera prima, el documental “Intimidades de Shakespeare y Victor Hugo” fue premiado en mas de 30 festivales internacionales, entre los que destacan San Sebastian, BAFICI, IDFA y La Habana, también recibió el premio Ariel a mejor Opera Prima en el 2008. Su primer largometraje de ficción “Paraísos Artificiales” fue apoyado por el Hubert Bals Fund y por el Tribeca Film Institute, se estrenó en el Festival de Cine de Rotterdam en 2010. En 2012 estrenó “Fogo” en la Quincena de Realizadores del Festival de Cannes. En 2015 realizó Epitafio, en co-dirección con Rubén Imaz.

MÓDULO 5. HACEDORES DE IMÁGENES – TIEMPO
Duración: 2 sesiones de 3 horas (Semana 6 y 7)

– Shooting 

El shooting es el shooting: la guerra.

Y en la guerra, lo último que haces, después de haber encontrado el objetivo, después de cargar tu arma, después de apuntar, después de contener la respiración, es disparar.

PONENTES: 

Oliver Victoria
Los grandes cataclismos de la tierra, junto con la patafísica, obligaron a este Ser a declararse incompetente en materia de la normalidad. Al darse cuenta que no tenía futuro en fungir como un Ser humano modelo, decidió mejor hacer películas. Primero estudió periodismo en la UNAM, pero sólo para darse cuenta que lo único que él quería hacer eran imágenes, luego se consiguió una beca para estudiar cine en CENTRO de Diseño, Cine y Televisión. Su tesis de cine “AIRE EN LUGAR INESPERADO” un documental sobre los últimos leprosos de México, le hace ganar una beca para estudiar una maestría en cine llamada DocNomads, llevada a cabo en Portugal, Hungría y Bélgica. En Europa confirma su estado irreverente infectado de libertad, y así regresa a México con dos nuevas películas ciertamente extrañas pero muy únicas, una la llama “ÉRASE UNA VEZ EN HUNGRÍA”, una oda a la naturaleza y a los principios básicos de la existencia, un film formalmente poético. A su tercera película la llama “PARAÍSO PERDIDO”, una película que pretende ser un documental sobre la Atlántida, pero en realidad es una ciencia ficción con tonos filosóficos, y peor aún, proféticos.

En 2016 funda la productora MERCADO DE LUZ, con la que realiza su cuarto largometraje SABINA SOMBRA, una historia muy personal y controvertida sobre las ceremonias chamánicas en Huautla de Jimémez, Oaxaca.

Desde Septiembre del 2017 produce RÉPLICA, su proyecto más grande y ambicioso hasta la fecha, una película que muestra el drama de un país destruido por un terremoto, y como renacer después de una tragedia como esa.

Emilio Santoyo

Es egresado de CENTRO de Diseño, Cine y Televisión. Ha trabajado en películas de Guillermo Arriaga, Bahman Ghobadi y Marcelino Islas. Es beneficiario del Programa de Estímulos a Creadores Cinematográficos del IMCINE y ganador del XV Concurso Nacional de Guión Cinematográfico. Seleccionado en el Match Me! del Festival Internacional de Cine de Locarno, la Ventana de Cine Madrileño, el Bolivia Lab, el Encuentro Internacional de Productores de Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias, el Encuentro Iberoamericano de Cineastas Emergentes de IBERMEDIA y el Taller de Análisis de fundación TYPA. Produjo la película “La Caridad” de Marcelino Islas (2015), galardonada como mejor película en DISTRITAL y ganadora de dos premios Ariel.

Es director, productor y guionista del cortometraje “El Perfecto Ausente” (2019), seleccionado en el Festival Internacional de Cine de Morelia y Shorts México, así como de “El Deseo de Ana” (2019), ganadora de diversos premios internacionales y seleccionada en más de treinta festivales entre los que se encuentran la Mostra de Sao Paulo, el Festival de nuevo Cine Latinoamericano de la Habana, el Festival de cine de Zaragoza, el Festival Internacional de Cine de Cabos, Cinequest, la Semana de Cine de Autor de Lugo, Hola México Film Festival y el Festival Internacional de Cine Mérida y Yucatán, entre otros. Emilio forma parte del programa Talents 2020, organizado por la Berlinale y ha sido evaluador de FOCINE y jurado de diversos certámenes cinematográficos. Es socio fundador de la compañía productora ANOMIA.

MÓDULO 6. ESCULTORES DE IMÁGENES
Duración: 2 sesiones de 3 horas (Semana 8)

-Teorías del montaje
-Propuesta de edidión
-Propuesta de sonido
-Edición

Cuándo hablamos ya de teorías del montaje quiere decir que nos encontramos en la cúspide de la montaña, de nuestra forma de hacer cine, y hemos conseguido ya hacer imágenes, lo que nos convierte en hacedores de imágenes, sin embargo eso no es todo, desafortunadamente nos queda otro largo tramo del camino para poder terminar. Y al abordar distintas formas de montaje nos enfrentamos nuevamente a distintas formas de pensar, que otros cineastas han podido consolidar y sintetizar a lo largo del tiempo, es decir un poco más de 100 años. Y es que hablar de montaje es hablar de un lenguaje, como si fuera literatura. ¡Sí! Existen valores estéticos-mágicos que podemos poner a la vista de todos una vez que los hemos descubierto. La grata experiencia del cine, y la fruición fílmica en sí, dependen de esta técnica de lenguaje. De hecho gran porcentaje de la clasificación de los géneros se encuentra en la forma en que has decidido montar tu película. Sin embargo tenemos que tener una congruencia narrativa de las imágenes que vamos confrontando al mismo tiempo con el audio que experimentamos en cada cuadro, y es esa congruencia la que nos toma algún tiempo construir. Einsenstein estaba seguro que el proceso más importante en la creación cinematográfica se encontraba en la edidión, y por otro lado Carlos Reygadas asegura que es el proceso menos importante, pues la película ya se editó cuando se filmó. Lo que sí sabemos es de la complejidad del proceso de montaje, no sólo por la complejidad técnica de tramar imagen tras imagen, sino por el tiempo que requiere, que es mucho.

PONENTE:

Antonio Bibriesca

Dedica parte de su vida laboral a la administración, hasta que en 2002 descubre su verdadera vocación, la producción audiovisual.
Toma innumerables talleres de iluminación, fotografía, edición, producción y dirección de cámaras, iniciando su trayectoria como editor en línea en pequeñas casas productoras, tomando rápidamente práctica y experiencia, además de desarrollar grandes habilidades en la producción, tanto; que realiza más 100 proyectos entre corporativos, videoclips, infomerciales y videos de capacitación e inducción. 

Surge su primera oportunidad en el cine con la película “Viernes de Ánimas” del director Raúl Pérez Gámez (opera prima), en la que se graduó en procesos totalmente nuevos para él. Entre ellos la edición y post-producción de cine. (Análogo-digital) Desde aquel momento un proyecto lo ha llevado a otro, incursionando fervientemente dentro de la industria cinematográfica con largometrajes como: “A los ojos” y “Después de Lucía”, siendo ésta última, galardonada como mejor película dentro de la categoría “Un Certain Regard”, en el Festival de Cannes, mención especial en el festival de San Sebastián, premio especial del jurado en el festival de Chicago, mejor director en el festival de Cine de la Habana, además de ser nominada a los premios Oscar, en la categoría mejor película extranjera en 2012.
Nominado a Mejor montaje en 2020 por “Infección“ largometraje del Dir. Venezolano Flavio Pedota, en el festival de la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas de Venezuela, película de Zombies seleccionada en más de 30 festivales de cine, nominación que le valió pertenecer como miembro académico de dicha institución.
En el año 2016 funda “cinema 101” siendo ésta, una herramienta de capacitación especializada para universitarios con el tema “la post-producción desde la pre- producción”.
Después de un largo recorrido en el medio audiovisual y consolidando los procesos de post-producción crea Digital Post, empresa especializada en producción, post- producción, y capacitación. 

En lo actual se encuentra trabajando en un par de proyectos de corto documental y de ficción ya como guionista, director y productor, que saldrán a festivales de cortomentraje éste año. 

Ya con mucha más experiencia de los procesos de Post-producción ha trabajado en diversas películas, programas unitarios y series de TV, series web u ondemand, desempeñándose como: productor, editor, supervisor, coordinador y post-productor manager. 

Gracias a esto Antonio demuestra su capacidad y versatilidad dentro de la industria cinematográfica.

MÓDULO 7. POST PRODUCCIÓN
Duración: 2 sesiones de 3 horas (Semana 9)

– Sound design & mixing
– Teoría del color
– Exports
– Materiales finales 

Es ya difícil teorizar procesos tan técnicos como el diseño sonoro o la mezcla, o la corrección del color, sin embargo existen aún conceptos que facilitan la experimentación en pos de lograr un mejor producto, o aún más, descubrir nuevas aplicaciones de sonido o nuevos resultados de combinaciones de color podría ser también el punto final de un texto exquisito. Y al lado contrario, un mal pintor podría echar a perder nuestra pieza. En este último proceso en la elaboración de una película creemos que es cuestión de hacer muchos “clicks” y de manejar bien el software, sin embargo, estos procesos pueden ser muy largos o pueden ser muy cortos si sabemos cabalgarlos bien. Aquí vamos desde un export para redes hasta el press-kit que tienes que mostrar cuando quieres vender tu película.

PONENTE: 

Pablo Wrege

Es post-productor desde hace más de 15 años. Ha trabajado para muchas productoras audiovisuales y ha participado en mas de 10 largometrajes como editor, post-productor y colorista.

MÓDULO 8. VENDEDORES DE IMÁGENES
Duración: 2 sesiones de 3 horas (Semana 10)

– Líneas de distribución
-¿Festival o no festival?
-Ventas permanentes

Cuando una película está terminada, lamentamos decir, que apenas vamos a la mitad del proceso total para que una película llegue a la pantalla. Y hay que decir también que si la distribución no es un arte en sí msmo, sí es un proceso que requiere demasiado tiempo y también conocimiento. Películas valiosas nunca se han visto por no contar con una buena planeación de distribución, y muchas malas películas sin valores estéticos llegan diariamente a la salas llenas, llenas de personas decepcionadas por otra mala película, pero son películas que contaron con una buena distribución, y que no necesariamente depende del presupuesto. Decisiones tan importantes como ir o no a un festival, aplicar a un fondo de posproducción o ir a circuitos culturales, o llamar a un museo, pueden ser también la decisión más importante.

PONENTE: 

Joshua Gil
Inicia su carrera profesional en el año 2000 en la producción de la película “Japón” de Carlos Reygadas, posteriormente produce y fotografía cortometrajes,  largometrajes de ficción y documentales mientras profundiza sus estudios en el extranjero con cineastas como Patricio Guzmán y The Quay Brothers. En 2015 produce y Dirige su ópera prima de ficción titulada “LA MALDAD” estrenada  en la 65 BERLINALE, además de ser seleccionada y ó premiada en más de 20 festivales alrededor del mundo.  Su segunda película SANCTORUM estrenó en la 76 Bienale  Internacional de Cine de Venecia en “La Semana de la Crítica”.Fue premiada por TRIBECA FILM INSTITUTE además de ser seleccionado para participar en el prestigiado laboratorio de productores jóvenes del Festival Internacional de Cine de Rotterdam IFFR  “Rotterdam LAB”, fue seleccionada a participar en el BR Lab especializado en postproducción. Ganadora de Blood Window México 2018 y ganadora también 3 veces en Festival Internacional de Cine de Morelia (Impulso Morelia 2016, 2018) y 2020 fue premiado al “Guerrero de la Prensa mejor película” y con “El Ojo a Mejor  Director 2019.

Premio FIPRESCI a mejor Película y Premio de la crítica cinematográfica Francesa 2020 en el Festival Internacional de Cine de Toulouse. Ganadora del Doha Film Institute Quatar 2018 a postroducción. La película ha participado además en el Mercado de Cannes, de Berlin y Ventana Sur(Argentina),entre otros. 

MÓDULO 9. CRÍTICA CINEMATOGRÁFICA
Duración: 2 sesiones de 3 horas (Semana 11)

– Grandes críticos de la historia del cine
– Componentes de la crítica cinematográfica 

Reconocer los valores de una película es como hablar de los valores humanos, que a pesar de ser humanos, cuesta mucho trabajo darse cuenta de lo que tenemos frente a nuestros ojos. El cine, siendo un artificio mágico y de experiencias sensoriales, nos lleva por caminos que frecuentemente hay que descubrir a cada instante, y los caminos, creados precisamente para ilusionar a soñadores, con frecuencia necesitan una guía que nos mantenga en la objetividad, no confundiendo manantiales con pantanos. La paradoja que existe entre el deseo de la ilusión en el cine y el ser devorados por esa ilusión, tiene que ser evadida por una mirada sofisticada y bien educada. El ejercicio de una crítica objetiva nos hace capaces de identificar películas que pertenecen a la verdadera historia del cine, y no a la historia del cine capital. En este módulo, aprenderemos a identificar lo gratuito de lo necesario, lo obvio de lo sublime y la mentira de la verdad. 

PONENTE: 

Julio Durán
Crítico, investigador y programador cinematográfico. Ha colaborado con medios culturales y especializados, tanto digitales como impresos de México, entre ellos Empire en español, Tierra Adentro, Revista Código, El Fanzine y además ha publicado en libros editados por el INBA y la UNAM. Ha participado como conductor en emisiones especializadas en el séptimo arte en Radio Fórmula y Radio IPN. Es cocreador de F.I.L.M.E. magazine y organizador de DAIMON Muestra Internacional de Cine en Streaming. Actualmente es el coordinador de prensa de la Cineteca Nacional.

MÓDULO 10. La nueva mirada
Duración: 2 sesiones de 3 horas (Semana 12)

-Visionados y feedback

Después de una ceremonia de temazcal, el iniciado sale del agujero sudando, como en un estado de trance, para tomar un baño de agua fría, y restablecer el orden de las energías perdidas y las energías adquiridas. La sensacion de haber realizado una pieza artística y colocarla dentro del espectro existente, es como un temazcal. Haremos una ceremonia de iniciación, repensaremos lo experimentado, y nunca más volveremos a hacer lo mismo. Y si acaso algo sucede después, confiamos en que será algo diferente.

PONENTE: 

Paula Astorga
En el año 2000 funda Circo 2.12, hoy encargada de diversas iniciativas como el Seminario El Publico del Futuro FICUNAM; Además, Paula dirige el área de contenidos de Home Films S.C. y trabaja como consultora y asesora de diversos proyectos culturales ligados al audiovisual.

En 2012, recibió el nombramiento y condecoración como Caballero del Orden de las Artes y las letras por parte del Gobierno francés y fue nominada por la Fundación Mont Blanc al Premio al Mecenazgo para las Artes 2014. Fue Directora de la Cineteca Nacional entre 2010 y 2013.

PROCESO DE INSCRIPCIÓN

Lxs interesadxs deberán enviar un correo con el asunto: “Programa en procesos cinematográficos”  antes del 01 de agosto de 2021 al correo:  [email protected] adjuntando una semblanza curricular o biografía y una carta de motivos (máximo 250 palabras) en formato PDF, en donde expongan su interés en formar parte de este programa, así como su situación profesional y económica.

PROGRAMA DE BECAS

La comunidad ADM (alumnxs, exalumnxs y profesores) podrá acceder a una beca del 40%.

Trabajadores de instituciones culturales y estudiantes de México y el extranjero podrán acceder a una beca del 35% de descuento.

Centro ADM en colaboración con otras instancias buscarán mecanismos para la otorgamiento de otros apoyos en la matrícula del programa a través de estudios socioeconómicos y entrevistas con los aspirantes. Participantes de otros países pueden aplicar a solicitud de becas. 

La recepción de solicitudes de ingreso será a través del correo: [email protected] o solicitar su inscripción vía whatsapp al +52 1 55 2077 5194 (MX).